古典艺术与现代艺术与后现代艺术之间的区别与联系

古典艺术与现代艺术与后现代艺术之间的区别与联系

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我是一个在海外留学的音乐专业学生。不能代表所有艺术学科，但对于我自己的专业，我也许可以发表一些我自己的看法。
众所周知，西方音乐大体分为三个阶段：古典时期，浪漫时期，和现代时期（中世纪，巴洛克，印象主义和新古典主义和主题关系不大，这个暂且不表）。而其中现代时期音乐也有现代和后现代之分。
从最开始，音乐作为一种沟通上帝的方式（美术与雕塑也一样），它更多在使用和谐的音程与和弦，个人的感情并不会过多的影响音乐，因为在那个时候（巴洛克与古典）类似歌剧或是协奏曲与交响乐（这个直到古典时期才由海顿开始大范围使用）都是有特定格式的。以奏鸣曲曲式来说，exposition呈示部——development发展部再到recapiculation再现部是有严格的和声构造的。比如从exposition再到development时基本上都要有一个semi-cadenze，以用来明确曲式结构。而音乐慢慢发展到浪漫主义时期，人的感情逐渐开始接管一首作品。结构开始变得模糊，就像同时期的启蒙运动中宣扬的以人为本那样，音乐中的神性渐去，人性开始占了上风。各式各样的曲式，新的和弦，以及对不和谐音程的运用开始走向主流。而以歌曲为例，当时几乎所有的歌曲内容都是有关得不到的爱情，最后再以悲剧收尾。最终，这个由贝多芬开创的音乐时代在第二次世界大战后结束，您有时间可以听一下浪漫晚期作曲家的作品感受一下，比如理查德·施特劳斯和斯特拉文斯基（尤其是春之祭）。
战后，一部分作曲家们认为过多的，无法控制的感情宣泄是造成世界的混乱与战争的元凶，所以以勋伯格，阿尔班贝格和韦伯恩等一部分作曲家为首，再根据当时新兴的弗洛伊德的潜意识思想，他们发现了无调性音乐，让音乐从浪漫时期走进了现代时期。在这个时期里，音乐变的十分诡异，和谐的音乐被驱逐和屏蔽，取而代之的则是像潜意识一般的抽象音乐。显而易见的情感被摒弃，抽象的、意识流的作品逐渐变成了主流（和音乐一样，在同时期的文学方面有乔伊斯·詹姆斯的意识流巨作“一个青年艺术家的肖像”面世，女性作家弗吉尼亚·伍尔芙的意识流作品也开始问世；美术方面毕加索达利等人也开始变成了主流）。音乐由人性再度向深挖掘，走进了人的潜意识世界。
而后现代作品则出现在新千年以后。我的导师是这样和我解释后现代作品的：他说一部分作曲家不再原因去写晦涩难懂而且又难听的serial music，他们喜欢古典和浪漫主义时期的音乐，但由于现在十二音体系的无调性音乐是社会主流，在作曲家的世界里，写那些好听的东西的作曲家都是白痴（可能有点极端，但这是真的）。于是他们想了一个折中的办法，他们写了那些听上去像古典作品的音乐，但他们声明这些作品不是他们写的，而是一个他们后来发现的一个古典时期的作曲家写的。当然这个作曲家是他们虚构的，但这些作品既拥有现代作品的影子，同时也披着古典浪漫主义的皮，所以它们被称为后现代主义的作品。
总而言之，艺术由神性开始，然后走入人性，继续向深走进潜意识，走向抽象，最后又部分回归了最初人性和神性。每一步都是不可或缺的，每一步都有彼此的影子和联系。
我不知道我表达的清楚与否，如果你想要不同时期音乐的清单来听，可以随时追问我。

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